LA IMAGEN FOTOGRÁFICA

•mayo 18, 2008 • Dejar un comentario

Aquí teneis un fantástico material creado por Armando Muñoz López, “La Imagen Fotográfica” ofrece a los alumnos de segundo ciclo de la ESO y de Bachillerato un soporte de formación cuyo objetivo es la alfabetización en el lenguaje y en las tecnologías fotográficas. Primer premio de materiales curriculares del CNICE, es imprescindible por su claridad, buena estructura y diseño. Ofrece hasta actividades. Por favor no os lo perdais.

La Imagen Fotográfica”

LO QUE LLEVA MAS TIEMPO: EL GUIÓN 3

•febrero 6, 2008 • Dejar un comentario

Muy bien, este es el gran momento, el momento por el que haz estado perdido horas y horas de sueño: La escritura del guión literario.

El guión literario consiste en la presentación ordenada de las acciones y diálogos, todo ello estructurado en secuencias y escenas. Contiene la historia que el director trasladará a la pantalla mostrando su punto de vista (y no el del guionista), y eso hasta el punto que con frecuencia en los rodajes es el texto que se utiliza para el desarrollo del trabajo dejando para el último momento la planificación exacta. Es lo que habitualmente se publica editorialmente (en realidad lo que se publica se prepara una vez que la película se ha terminado).

El guión literario ante todo ha de ser lingüísticamente sencillo y formalmente directo: frases breves y construcciones sintácticas simples. Debe huir de los detalles y situaciones secundarias que recargan la acción y retardan la culminación del relato. La redacción del texto debe realizarse en presente de indicativo. No hace indicaciones de cámara, a lo sumo sugiere alguna pues como hemos dicho más arriba la labor de determinar el punto de vista pertenece al director.

Para redactarlo es necesario seguir determinadas reglas:

En un guión, lo primero es dividir la historia en secuencias (recuerda que una secuencia es una serie de escenas que forman parte de una misma unidad narrativa. Se puede comparar al capítulo de una novela). Después sólo es necesario escribir cuatro cosas fundamentalmente: Encabezados de escena, Acciones, Nombres de personaje y Diálogos.

1.-ENCABEZADOS DE ESCENA:
Aparecen al inicio de cada nueva escena y nos informan el lugar en que esta se lleva a cabo. Recuerda: Una nueva escena ocurre cada vez que se da un cambio en Tiempo, lugar o ambos, por lo tanto, escribirás una gran cantidad de Encabezados.
Se escriben así:

INT. CASA DE FULANO DE TAL – NOCHE

O así:

EXT. ESTADIO DE FUTBOL – ALTAS HORAS DE LA TARDE

Como podéis ver los encabezados están formados por estos tres elementos:

INT., o EXT. Abreviaciones de “Interior” y “Exterior”, esto indica al equipo de producción si necesitarán usar iluminación o filtros mientras filman.

LUGAR. Espacio en donde se desarrolla la escena. Estos deberían ser cortos: “LIBRERÍA”, “RECEPCIÓN”, “RULOTTE” o “VESTÍBULO DEL IES” son algunos ejemplos. Ocasionalmente necesitarás una sublocalización para clarificar el Lugar. Se escribiría de esta manera:

INT. MANSIÓN DE DONALD – SALA DE BILLAR – NOCHE

TIEMPO. Normalmente se utiliza solamente “DÍA” o “NOCHE”, pero se puede ser tan específico como para escribir “4:59 A.M” (Si, por ejemplo, la bomba fue programada para explotar a las 5:00). Los Encabezados se escriben siempre en mayúsculas.

2.-
ACCIÓN.
Describe lo que pasa en la pantalla y los personajes involucrados, si hay alguno. Se escribe así:

INT. MANSIÓN DE DONALD – SALA DE BILLAR – NOCHE

Beatrice recoge la habitación investigada. Tacos de billar, libros, papeles- todo ha sido registrado. Se detiene a recoger la foto de un niño.

Las descripciones de los espacios y de los personajes deben ser breves y físicas, es decir, han de ceñirse a lo que posteriormente veremos y oíremos en pantalla. (no interesan pensamientos, sentimientos, emociones, etc., si no tienen una traducción visual). Usa interlineado sencillo y tiempo presente. (Si la acción ocurrió en el pasado, el Encabezado de escena nos lo informará. Gracias, Encabezado.)

Además, siempre necesitarás alguna Acción después de un Encabezado, incluso si es sólo una línea. He aquí un ejemplo:

EXT. HOTEL RITZ – DIA

La limusina explota y es consumida por las llamas.

3) NOMBRE DEL PERSONAJE.
Siempre aparece sobre el diálogo y nos dice que personaje es el que habla:

VERONICA
COCHE FANTASMA
ETC..

Los nombres de personajes siempre se escriben en MAYÚSCULAS.

A veces, tendrás personajes menores que no querrás nombrar. Esta bien llamarlos “VENDEDOR”, “PEATÓN” o “GUERRERO”. Si existen varios personajes de este tipo, añade un número a sus nombres: “POLICIA #1” o “PROFESOR #2”.

4) DIÁLOGOS.
Las palabras habladas por los personajes se escriben con minúsculas debajo del nombre, y con una sangría considerablemente mayor que la acción para diferenciarlo bien.
Este suele ser el modelo más habitual para presentar los guiones literarios de las producciones cinematográficas y todas aquellas producciones de carácter dramático televisivas.
Por si todavía no entendiste nada, a continuación puedes ver un ejemplo de como quedaría un guión. En este caso, se reproduce un fragmento de la segunda secuencia de la película “Manhattan”, 1979 de Woody Allen.

SECUENCIA 2

ESCENA 1

EXT. CAFETERÍA EN MANHATTAN. NOCHE.

En el cristal del escaparate pone ELAINE´S.

ESCENA 2

INT. CAFÉ ELAINE´S. NOCHE.

Un camarero acompaña a un hombre y a una mujer hasta una mesa en un café llenísimo. Aparta la mesa de la pared, la limpia, y pone sobre ella dos menús. El hombre ayuda a la mujer a sentarse.

Sentados ante una mesa, con algo de comida y más bebida de la cuenta, están cuatro personas: Yale Pollack, un intelectual, crítico y profesor; Emily Pollack, su guapa esposa; Isaac Davis; Tracey, una bonita chica de 17 años, la amiga de Isaac.

YALE:

Yo creo que la esencia del arte está en darle a la gente cierta capacidad de penetrar en las cosas, ¿sabes?, para experimentar sentimientos que, en realidad, tú ignorabas poseer.

IKE (OFF):

El talento es cosa de suerte. Psé. Yo creo que lo importante en la vida es el valor.

Emily sonríe.

EMILY (risita)

Ya llevan veinte años con esta discusión.

IKE

Escucha, te lo explicaré con un ejemplo. Si nosotros cuatro (se pasa la lengua por los labios) volvemos a casa paseando por el puente, y una persona se estuviera ahogando, ¿Tendríamos valor, tendría alguno de nosotros valor para tirarse al agua helada y salvarla de la muerte?

YALE

¿Para tirarse al agua y salvar a una persona que se ahoga?

IKE

Mira, es que… es que… es una pregunta crucial, ¿sabes? Yo, claro, yo, como no sé nadar, no tendría que plantearme el problema.

Ike se pone un cigarrillo en la boca. Yale mira a Emily.

IKE

No sé.

YALE

No, no. ¿Quién de nosotros lo haría? (Risita).

EMILY(ríe también)

No sé.

Ike tararea una cancioncilla mientras enciende el cigarrillo. Yale le ofrece un bocado a Emily con el tenedor.

LO QUE LLEVA MAS TIEMPO: EL GUIÓN 2

•febrero 4, 2008 • Dejar un comentario

LA ESTRUCTURA TÍPICA: EL HÉROE

Por si puede ser de utilidad en vuestros guiones:

Podemos decir que casi el 80 o 90 por ciento de las películas, y multitud de historias a lo largo de ha historia, se basan en una estructura argumental parecida a ésta:

El héroe comienza no siéndolo.
El detonante (el suceso que pone en marcha la acción) provoca un problema, conflicto o desequilibrio.
Alguien, o la situación misma, requieren su ayuda, pero el personaje se resiste a intervenir.
El punto de inflexión (que es algo que agrava la situación) hace mas grave el conflicto o crea otro nuevo; el personaje va a tener que implicarse.
La actuación del personaje para conseguir la meta (el objeto), puede contar con ayudantes humanos y/o objetuales.
También se encontrará con oponentes humanos y/o objetuales con los que entrará en conflicto.
Puede ser que tenga que superar pruebas cada vez mas difíciles, o arriesgadas y peligrosas.
Suelen existir nuevos puntos de inflexión que agravan aún mas la situación; el personaje parece estar colapsado y que nunca podrá conseguir su meta.
la situación se hace insostenible, se ha de actuar “a vida o muerte” para superar la situación (éste es el climax).
El personaje consigue su objetivo, salva a la víctima, a si mismo, a la humanidad, etc…
El personaje ha evolucionado en el trayecto, ha madurado, ha cambiado su carácter, fortuna, pensamiento, etc…

Siempre han existido historias que cuentan la lucha de un personaje por conseguir un objetivo difícil e importante en conflicto con algo o alguien que lo impide, y los espectadores viven cada vez un nuevo relato con éste mismo mensaje de fondo, la lucha por mejorar, por lo que se desea, por vencer inconvenientes.

Son sólo las características de los personajes, y la identificación que provoquen en los espectadores, el interés que provoque el conflicto, la originalidad de la trama y como se desarrolle (interés, suspense, etc…) junto con las emociones que provoque, lo que diferencia a unas historias de otras.

LO QUE LLEVA MAS TIEMPO: EL GUIÓN 1

•enero 26, 2008 • Dejar un comentario

El guión es lo más importante dentro de una producción audiovisual. Una película con un buen guión resultará interesante aunque la dirección sea mala. Sin embargo, si la película tiene un mal guión, ni el mejor de los actores o el director más famoso podrá enderezarla.
para realizar un buen guión es necesario desarrollar una serie de pasos que no conviene saltarse:

LA IDEA
El primero de ellos será encontrar una buena idea de la que partir. Pero ¿que es una buena idea y de donde la podemos sacar?.
Desde luego el mejor consejo es encontrarla dentro de nuestra propia experiencia vital: se nos puede ocurrir en cualquier parte, mientras esperas el autobús, en los pasillos del instituto, etc.. en cualquier momento puedes ver una situación que te haga saltar la chispa de la imaginación, hacerte una pregunta, ¿quién será ese?, ¿como será su vida?, ¿porqué reacciona así?, etc… Apuntar siempre lo que a uno se le ocurre, en el propio lugar y momento en el que sucede es la mejor manera de recordar lo que nuestra frágil memoria no retiene, es el mejor consejo.
pero también podremos encontrar nuestra idea de otras maneras: en los periódicos, en las noticias, en anécdotas que te cuentan o conoces, en rumores, leyendo relatos o novelas, a partir de otras películas, y hasta en los sueños.
Es necesario decir que una idea no es un argumento, es lo que queda de la película al final, es lo que se quiere transmitir y de lo que se quiere hablar, es el mensaje final de la película, y no suele ser mayor de una o dos frases.
Es necesario en este punto y antes de avanzar al siguiente detenerse, y pasar mucho tiempo pensando en el tratamiento que se le va a dar a nuestro guión. Una idea puede tratarse de manera totalmente distinta a poco que cambiemos el enfoque de la historia

LA SINOPSIS
El segundo paso es escribir un breve resumen donde ya se especifican los personajes, las acciones principales y las intenciones. No contiene diálogos, es una mirada general, primera forma textual del guión. Su forma ha de ser clara y concisa. Sería algo parecido a las sinopsis de las películas que se pueden leer en los periódicos.
Aquí debe aparecer ya mas o menos la estructura de toda narración clásica, presentación, nudo, y desenlace, aunque para ayudaros podéis seguir este desarrollo mas detallado:
· Situación inicial: al principio encuadramos la historia (el momento,el lugar, los personajes); suele existir un estado estable y equilibrado para los personajes; a veces el relato puede corresponder a una toma de conciencia con una falta que debe colmarse.
· Conflicto: un elemento nuevo introduce una inestabilidad; pone en marcha el principio de un proceso de transformación. Hay una complicación.
· Desequilibrio: rotura del equilibrio inicial, en general debida al conflicto.
· Tentativa de reparación (o resolución del problema, acciones reparadoras): medios utilizados por los personajes para tratar de resolver el desequilibrio. Varias tentativas se revelan a veces necesarias.
· Situación final: el texto se cierra con la construcción de un nuevo equilibrio o una vuelta al equilibrio inicial … También podemos obtener otro tipo de equilibrio pero la salida de una narración no es siempre feliz y optimista; a veces se cierra sobre un fracaso del personaje y no sobre un acostumbrado “happy end, tan de moda por los espectadores ingenuos.

Dejaremos para otra entrada los siguientes pasos, el guión literario y el guión técnico, mientras tanto si todo te parece muy complicado no te preocupes, estas en lo cierto. Todos los guionistas sufren la misma ansiedad, y ningún guión se ha escrito nunca sin reescribirse un montón de veces. Te recomiendo una película “Adaptation. El ladrón de orquídeas“, 2002 dirigida por Spike Jonze de la que aquí tienes un aperitivo:

y también puedes leer los consejos y descripciones sobre el guión de las siguientes páginas:

El guión multimedia.

Curso de guión.

Aula de cine de Buscacine.com; pincha en la pestaña “temario general” y busca los temas sobre el guión.

LAS FRASES DEL LENGUAJE AUDIOVISUAL: LOS PLANOS

•enero 20, 2008 • 1 comentario

La unidad básica del lenguaje audiovisual es el plano. Podemos definirlo de dos maneras:

  • Desde una perspectiva espacial, plano es el espacio y los elementos que vemos en el encuadre;
  • Desde una perspectiva temporal plano (o toma, cuando estamos rodando) es todo lo que la cámara registra desde que se inicia la filmación hasta que se detiene.

En un plano, al menos en teoría, el tiempo real coincide con el cinematográfico.

ESCALA DE PLANOS
Existe una tipología del tamaño de los planos. Se estableció tomando como referencia básica la figura humana; aunque los límites son flexibles puede decirse que:

GRAN PLANO GENERAL (GPG)
Los personajes no se distinguen ya que aparecen muy pequeños. Sitúan espacialmente el conjunto de los elementos que se ven por lo que se suelen situar al comienzo de las secuencias. Es normalmente un tipo de plano que dura bastante en las películas para que el espectador pueda recorrer y fijarse en todos los detalles que se muestran. Como el hombre es un elemento más del escenario, otra cosa y su tamaño es pequeñísimo, a veces se emplean para dar sensación de soledad, si el hombre aparece en él, o, de grandeza o belleza, si lo fotografiado es un paisaje.

calle.jpg

PLANO GENERAL (PG)
Los personajes aparecen mas cercanos, pero no lo suficiente para apreciar sus gestos o estado de animo. sirven para situar personajes en entornos un poco mas cerrados, como interiores, o vistas urbanas.

pg.jpg

PLANO ENTERO (PE)
Abarca la figura humana entera, prácticamente encajada en el encuadre. Suele utilizarse para grupos de personajes, en situaciones donde no importe demasiado la expresión.

pd1.jpg

PLANO AMERICANO (PA)
La figura humana aparece cortada por debajo de las rodillas. Puede ser leyenda o verdad que su empleo se deba a los tiempos de esplendor del género del “Western”, con el fin de mostrar las cartucheras de los vaqueros.

pe.jpg

PLANO MEDIO (PM)
Nos acercamos al personaje de manera que se corta a la altura de la cintura. reconocemos perfectamente su cara, y los espectadores pueden identificarse emocionalmente con los protagonistas.

pm.jpg

PRIMER PLANO (PP)
Es el rostro del personaje desde las clavículas. Es un plano que nos introduce en la psicología y en los sentimientos de los personajes. Aquí los actores se la juegan.

pp.jpg

PLANO DETALLE (PD)
Planos muy cercanos de objetos o sujetos, una mano cogiendo el teléfono, un detalle del rostro del hombre, un vaso, etc…
Este plano produce un choque en el espectador, su uso es enfático.

pd2.jpgpa.jpg

Todos los fotogramas pertenecen a la película “MARNIE LA LADRONA” 1964, de Alfred Hitchcock

Es conveniente darse cuenta de que éstas descripciones son orientativas , pueden variarse siendo LARGOS o CORTOS, es decir mas lejos o mas cerca, sobre todo en el caso de los planos medios; así se suele hablar de plano medio corto de un plano cortado a la altura del pecho.

Cada plano es conveniente para determinadas situaciones narrativas, de manera que, independientemente de las características específicas relatadas anteriormente, y como norma general cabe establecer la siguiente clasificación:

PLANOS DE SITUACIÓN. Lo dice la palabra, sitúan a los personajes en un contexto espacial, en un entorno.
gran plano general, plano general, plano entero y a veces el plano americano.

PLANOS DE ACCIÓN. Los personajes realizan actividades y movimientos, para mostrarlos se emplean
plano entero, plano americano y plano medio. A veces el plano detalle ( una mano busca algo en un bolsillo, por ejemplo)

PLANOS DE EXPRESIÓN. Los personajes se rien, lloran, sufren, dudan, etc…
plano medio, primer plano. A veces el plano detalle (un ojo llora, por ejemplo)

EL SONIDO CUENTA.

•enero 17, 2008 • Dejar un comentario

La banda sonora del film consta básicamente de cuatro elementos: voz humana, ruidos, música y silencio. Estos elementos pueden ser diegéticos o no diegéticos, si la fuente emisora pertenece o no al contexto narrativo. Los diegéticos, pueden ser in (en campo) u off (fuera de campo).
1. La voz humana: El diálogo
Puede cumplir una doble función:
Informativa: como soporte de parte de la información del argumento. Es conveniente que se utilice con precaución, sin olvidar nunca que en la Comunicación Audiovisual, las imágenes también informan, de modo que no se debe caer en la redundancia de contar algo en un diálogo que se ya se está viendo, o que se puede deducir.
Expresiva: los diálogos pueden transmitir las emociones de los personajes, sobre todo si se acompañan de las reacciones de unos personajes cuando escuchan a otros, o se potencia su expresividad utilizando la voz en off mientras se muestran imágenes que inciden en el tono emotivo adecuado.
2. La música
Elemento empleado en casi todas las películas. Así, hay directores que no son capaces de concebir su obra sin el acompañamiento musical, en el que ya piensan a la hora de planificar las imágenes. Una música nos sirve para subrayar emociones, para crear estados de ánimo, para aglutinar planos dispersos entre sí, para envolver unas secuencia de montaje, para suavizar cambios de planos que resultan bruscos…Vamos, casi para todo, aunque no conviene abusar.
La mayor parte de la música de una película es no diegética, pero en otras, la banda musical se produce en la acción (suena una radio, canta alguien, se interpreta música…) Algunos movimientos como el Dogme 95 solo permiten musica Diegética.
Algunos directores en cambio no emplean música (Buñuel, por ejemplo)
3. Los ruidos (efectos de sonido)
Los efectos sonoros, también llamados ruidos, son utilizados en paralelo a las imágenes o como contrapunto y se convierten en elementos de importancia expresiva, creando ambientes y emociones, y dando fluidez a la narración.
En general, se consideran efectos de sonido a todos aquellos ruidos que se destacan del sonido ambiente para recibir un tratamiento especial: disparos, pasos inquietantes, ecos y reverberaciones, etc. Para recrearlos, por lo general, hay que diseñarlos especialmente en estudio de grabación.
4.- El silencio
El silencio en una banda sonora, puede ser un elemento inquietante o anticipador de algo que va a ocurrir. Sirve también para crear contrastes rítmicos o estados de ánimo. En algunas obras es un elemento dominante, utilizado con plena intención expresiva.

En general, al ver una película, podemos concentrarnos en los elementos de sonido y cuestionar qué se pretende y qué se consigue con ellos. Se puede valorar qué es lo que aportan y lo que expresan. En el mejor de los casos descubriremos que la banda sonora cobra relevancia junto a las imágenes visuales y que condiciona nuestra percepción de la narración con nuevos significados.
No se me ocurre nada mejor que la secuencia de la ducha de Psicosis para comprender como la banda sonora refuerza el sentido expresivo de la narración.
La música (no diegética) inquietante de Bernard Herrmann subraya el momento en que Norman Bates (Anthony Perkins) vigila tras la pared a Marion (Janet Leigh), con una incidencia especial de violines cuando aparecen los planos de ella. Luego, poco a poco, la música da paso a un silencio anticipador tan solo roto por exagerados sonidos diegéticos de papeles rotos, de la cisterna, del envoltorio del jabón y del agua de la ducha. Este silencio está preparando el climax de la secuencia, el crimen, que se acompaña con música estridente, gritos y sonido de cuchilladas ( que hacen innecesario mostrarlas visualmente). Para terminar, tras la música final, que acompaña como un requien el último aliento de Marion, otro sugerente silencio cierra la secuencia, de modo que el espectador pueda asimilar en calma lo que acaba de ver.

UN ANTES Y UN DESPUÉS: EL SONIDO.

•noviembre 25, 2007 • Dejar un comentario

Entre 1926 y 1930, se resuelven los innumerables problemas técnicos que plantea la sincronización de imagen y sonido, y también la amplificación del volumen a los niveles requeridos por las salas de grandes dimensiones.

Al principio, sólo una productora menor, la WARNER BROS, mostrará interés por el cambio, estableciendo un acuerdo comercial con la AT&T-WESTERN ELECTRIC, por el que adquiere el derecho de explotación del sistema de grabación y reproducción electrónica a través de discos fonográficos, al que denominarán Vitaphone.
Los primeros ensayos realizados en 1925, van encaminados a la grabación de breves números de variedades, cómicos o musicales que la productora ofrece, como novedad, junto con su producción de largometrajes mudos. El estreno definitivo del Vitaphone se realiza al año siguiente con la producción Don Juan (1926),con la música orquestada de la ópera de Mozart; pero será El Cantor De Jazz (The Jazz Singer, 1927) el primer largometraje con música y palabras.
A partir de esta fecha, el cine habría de sufrir un giro brusco hacia una nueva forma de expresión artística: el lenguaje audiovisual.

En 1928 la FOX FILM CORPORATION adopta un sistema óptico de grabación de sonido en la cinta de celuloide, paralelo a los fotogramas. El sonido óptico acabará imponiéndose al sistema magnético. Todas la productoras se irán sumando al invento.

Lo más cercano a la experiencia sonora que había vivido el cine era el acompañamiento musical en vivo y en paralelo a la proyección en la sala de exhibición, pero siempre era música concebida como acompañamiento, casi nunca integrada orgánicamente al discurso visual.

El cine sonoro es un cambio radical, casi traumático, si se valoran dos aspectos:
• La introducción del sonido llevó aparejada, debido a aspectos técnicos, la vuelta de la cámara a la inmovilidad de años atrás. Se vuelve al “teatro filmado”, en el que el ritmo de los planos, fijos y teatrales, se ven supeditados a la posición de los micrófonos que captaban el sonido.
• La innovación técnica del sonoro no fue acogida de igual manera por todos los miembros del mundo cinematográfico.

Así, mientras compañías como la UNITED ARTIST lo recibieron con gran satisfacción, otros sacaron las uñas ante el sonido, considerándolo como una perversión que venía a contaminar un lenguaje ya perfectamente evolucionado. Para Chaplin, por ejemplo, la esencia del cine es el silencio. El director francés Abel Gance opinaba que la llegada del sonoro sólo sería útil para los documentales, ya que el cine no tiene necesidad de charla. Para éste y otros autores el sonoro es una combinación absurda de dos medios de expresión antagónicos: imagen y sonido. Los directores rusos fueron quizá los que más explícitamente se posicionaron frente a la llegada del cine sonoro, o al menos frente a una utilización simplista del mismo. Así, Eisenstein, Pudovkin y Alexandrov firman el manifiesto “El contrapunto orquestal”, en el que defienden un uso contrapuntístico del sonido, en conflicto con la imagen que lo soporta, para generar sentidos añadidos a lo que se describe.

Pero, evidentemente, a pesar de estos problemas iniciales, el sonido aporta una serie de ventajas:
• Mayor realismo.
• Más información, con la consiguiente economía de planos.
• Potenciación del fuera de campo, ya que el sonido sugiere espacios y acciones que no se ven en el encuadre.
• Utilización expresiva del silencio con fines dramáticos (antes con el cine mudo, el silencio era obligado).
• Aparición de nuevos géneros (musical).
• Y potenciación de otros géneros: policíacos, comedia, documental histórico y didáctico, debido a la información que aporta el sonido a los diferentes tipos de narración.
El sonido en el cine, se ha convertido con los años en un elemento con tanto alcance como otras técnicas cinematográficas y con tantas posibilidades creativas como el montaje.