ALEMANIA ENTREGUERRAS: EL EXPRESIONISMO

Durante la primera guerra, el gobierno alemán pone en marcha la creación de una empresa de producción cinematográfica, con la que abastecer de películas propias a las salas del país. De esta iniciativa surge en 1917, la U.F.A. (UNIVERSUM FILM A.G.). La cinematografía alemana se verá pronto enriquecida con la incorporación de un universo temático y formal procedente de la Escuela expresionista, que nace como movimiento pictórico de vanguardia, en Munich, hacia 1910, aunque hunde sus raíces en la Edad Media (Durero, Grünewald) y en precursores más recientes como Van Gogh o Munch. La pintura expresionista ofrece una visión del mundo ferozmente subjetiva, deformada y torturada. Los artistas pintan la angustia, la muerte, la desesperanza y el horror, y para hacerlo rompen con la realidad a base de trazos y colores salvajes y agresivos.

OBSERVA PINTURAS EXPRESIONISTAS:


En 1919 El Gabinete Del Doctor Caligari (Das Kabinett Des Dr. Caligari) produce una ruptura estética, que en el cine dará forma a un universo de fantasía, poblado por personajes de pesadilla. En esta obra aparecen ya, claramente definidas, todas las propuestas formales y temáticas del movimiento expresionista. Los decorados son realizados por el grupo pictórico Der Sturm (el puente) y la historia muestra a Cesare, un médium que, bajo la influencia hipnótica del macabro doctor Caligari, comete una serie de crímenes espeluznantes.

Con esta obra, sus guionistas, plantean una metáfora de difícil interpretación, en la que Caligari sería el Estado alemán y Cesare representaría al pueblo, arrastrado por sus gobernantes a la guerra. Esta denuncia política desaparecerá del guión definitivo con la incorporación al proyecto del realizador Robert Wiene. Éste añade dos escenas nuevas, una al principio y otra al final, con las que altera de manera decisiva la historia, que pasa a ser el relato de un loco. la película incorpora así lo que se llama en lenguaje audiovisual un flash back. Pero, estos cambios temáticos no limitarán en manera alguna las innovadoras contribuciones plásticas de esta obra:

  • Creando una atmósfera inquietante, con decorados de líneas oblicuas, inestable y de proporciones deformadas.
  • Los actores, con maquillajes y vestuario sorprendentes, estilizan sus movimientos y la interpretación para integrarse en esa escenografía alucinante.
  • Falsos efectos de iluminación, pintando luces y sombras sobre los decorados.

Paul Wegener y Henrik Galeen recuperan, con El Golem (Der Golem, 1920), una antigua leyenda judía-checa, en la que un rabino insufla vida a una criatura de arcilla. Una vez que la criatura toma consciencia de su origen artificial y de su falta de humanidad, debido al rechazo de una dama de la que se enamora, destruye furiosa todo lo que encuentra a su paso. Las similitudes con Frankenstein, otra versión del mito sobre lo bueno y lo malo, son más que evidentes. Como curiosidad, se dice que Boris Karloff se fijó mucho en la interpretación de Paul Wegener para crear su propio monstruo.

VIDEOCLIP CON IMÁGENES DE “EL GOLEM” (Ya ves que el expresionismo es fuente de inspiracion para determinada música)

Paul Leni narra, en El Hombre De Las Figuras De Cera (Wachsfigurenkabinett, 1924), las macabras visiones de un joven poeta en un museo de cera.

Friedrich Wilhelm Murnau alcanza las más altas cotas artísticas dentro de este estilo con Nosferatu, El Vampiro (Nosferatu, Eine Symphonie Des Grauens, 1922), adaptación libre de la novela Drácula de Bram Stoker. Murnau sustituye el rodaje en estudio y los decorados expresionistas por la filmación en exteriores naturales, escogiendo minuciosamente los rincones urbanos y los paisajes. Con este cambio de elementos fantásticos en un entorno real, Murnau confiere al relato una inquietante veracidad. Nosferatu es el padre de todos los vampiros fílmicos. El legendario maquillaje del personaje, con sus garras afiladas y orejas puntiagudas, está en la mente de todos como un icono del cine de terror.


La Escuela expresionista muestra predilección por los temas fantásticos de antiguas leyendas o de oscuros escenarios de terror. Una tendencia que muchos estudiosos reconocen como claro reflejo de la inestable situación política y social que atraviesa la recién inaugurada República de Weimar.

Otra figura importante de esta escuela es Fritz Lang que, habiendo estudiado arquitectura y Bellas Artes, aportará al expresionismo una nueva concepción arquitectónica y monumental que encuentra su pleno desarrollo. Metrópolis (Metropolis, 1926), es un relato futurista, que presenta una sociedad dividida según su raza en dos estamentos fundamentales: el de los señores y el de los infrahombres, esclavos que viven bajo tierra, sometidos al poder de las máquinas. Se trata de una narración panfletaria en la que el señor, que representa al capitalismo, libera a sus obreros de la tiranía de una maquina, una mujer-robot. El film finaliza con la reconciliación entre capitalismo y trabajo. La autora de este guión y del de Los Nibelungos es Thea Von Harbou, esposa de Lang y luego militante nazi, a quien se ha considerado responsable última de la inclinación ideológica en ambas obras. A la escasamente estimulante narración de Metrópolis, Lang incorpora su dominio en la articulación de espacios, volúmenes y claroscuros, aportando a la historia del cine algunas de las imágenes más revolucionarias y llevando al expresionismo arquitectónico a su más alto nivel artístico. Con su mezcla de elementos futuristas y antiguos, sigue siendo hoy en día el referente fundamental de cualquier estética “futurista-retro”. La majestuosa y elegante ciudad alta contrasta con el tono industrial y opresivo de la ciudad baja. Todo está calculado hasta el mínimo detalle, incluso las masas hacen formas geométricas en medio de los tumultos y las carreras. Fue durante mucho tiempo la película más cara de la historia del cine alemán, lo cual en esa época no era poco. Visualmente no ha envejecido.

El Expresionismo ha tenido y tiene gran influencia en el lenguage audiovisual posterior. Directores como Tim Barton se declaran admiradores, y todo el cine de terror es deudor de su estética. Mira estos ejemplos:

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~ por cineojo en noviembre 23, 2007.

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